Jeanne Damas s’est toujours entourée d’esprits créatifs : des amies photographes, musiciennes, peintres... Autant de sources d’inspiration qui l’accompagnent chez Rouje. 


D’une rencontre avec Philomène Cohen - Parisienne pur jus, New-Yorkaise d'adoption et éditrice du magazine Speciwomen - naissent les Portraits en Rouje.  Des interviews et séries photo pour mettre à l’honneur les talents féminins d’aujourd’hui et de demain.

« Au-delà des vêtements, les Portraits en Rouje montrent des personnalités. Une histoire de femmes, de créativité, de partage… Les piliers de Rouje, à travers une série de portraits » explique Jeanne Damas.

Jeanne Damas s’est toujours entourée d’esprits créatifs : des amies photographes, musiciennes, peintres... Autant de sources d’inspiration
qui l’accompagnent chez Rouje. 


D’une rencontre avec
Philo Cohen - Parisienne pur jus, New-Yorkaise d'adoption et éditrice du magazine Speciwomen - naissent les Portraits
en Rouje.  

Portraits en Rouje

Des interviews et séries photo pour mettre à l’honneur les talents féminins d’aujourd’hui et de demain.

« Au-delà des vêtements, les Portraits en Rouje montrent des personnalités.
Une histoire de femmes, de créativité, de partage…
Les piliers de Rouje, à travers une série de portraits »
explique Jeanne Damas.

PC: En parlant de zones de confort, je me demande si vous pourriez parler un peu de la façon dont les deux mois et demi de quarantaine ont affecté votre dynamique ?


MT: Nous avons eu de la chance. La quarantaine est tombée à un moment assez bénéfique pour nous. Nous venions de rentrer de résidence, pour passer, un mois à Paris pour préparer notre prochaine exposition. Nous n'avions pas dessiné de nouvelles œuvres depuis longtemps. De nouveaux désirs pour de nouveaux dessins dormaient en nous mais nous n'avions pas le temps de les laisser émerger. Nous n'avons donc pas vraiment expérimenté ce vide créatif dont beaucoup de gens ont parlé. Nous savions ce que nous voulions faire. Nous avons divisé nos crayons et notre papier et nous nous sommes mis au travail respectivement. C'était encore très étrange. Nous avions rarement été séparées pour travailler. Habituellement, le seul temps que nous passions. séparément c’était pendant les vacances, mais c'est prévu à l'avance, et nous n'avons pas à travailler pendant que nous y sommes. C'était très nouveau pour nous d'être séparées pendant un temps indéfini, de travailler l’une sans l’autre.




Martinet & Texereau est un projet collaboratif entre deux artistes basées à Paris. Leur pratique s’oriente essentiellement vers le dessin, qu’elles utilisent pour créer un répertoire d’objets, de lieux, d’architecture. Une écriture commune émerge ainsi et leur donne une nouvelle identité, à deux. Leur pratique s’oriente essentiellement vers le dessin, qu’elles utilisent pour créer un répertoire…


À l'ère de la Covid-19, la communication à distance a pris le dessus sur tous les aspects de la vie. J'ai rencontré Martinet & Texereau via Zoom, un vendredi matin pour moi à New York et une fin d'après-midi pour elles à Paris. Je pouvais voir la lumière de leur studio frapper éclairer le mur derrière elles et quelques dessins enroulés méticuleusement stockés à côté de l'ordinateur de bureau à côté de leur ordinateur. Je n'avais pas été en conversation avec un duo depuis un moment et j'ai redécouvert la beauté du dialogue collaboratif. Elles ont rebondi sur les phrases de chacune comme les danseuses le font avec leur corps. Notre conversation s’est axée autour des fondamentaux qui définissent la pratique de Martinet & Texerau, avec évidemment quelques échanges autour des changements qu’implique la pandémie de covid-19 dans leur approche.




par Philo Cohen Speciwomen 

Photographies de Louise Le Meur

Martinet & Texereau

Philo Cohen pour Speciwomen: Quelle est l'origine de l'entité Martinet & Texereau ?


Martinet & Texereau: Nous étions à l'école ensemble. Nous avions l'habitude de collaborer sur des projets, dans l’environnement très académique des écoles d’art. Un jour, nous avons décidé de disparaître complètement derrière une seule identité d’écriture, un seul style. Notre objectif était que personne ne soupçonne que deux personnes étaient à l'origine de notre travail. Le fait que les professeurs ne soient pas en mesure de nous attribuer des notes différentes, que ce soit notre travail plutôt que nos travaux respectifs qui soient interrogés, nous intéressait. Au début, nous avions l'habitude de remplir les zones grises en copiant méticuleusement le style de l'autre. À cette époque, la copie et le plagiat étaient vraiment mal vus à l'école d'art.



PC: Pouvez-vous parler un peu du processus de transcription de vos photos en couleur à vos dessins en noir et blanc ?


MT:  Certaines photographies ont l'air très intéressantes en couleur et dès que nous les éditons en noir et blanc, elles perdent tout leur charme. Cela nous est arrivé beaucoup lorsque nous étions à San Francisco lors de notre dernière résidence. Nous étions sur un bateau à Sausalito, en Californie et comme nous le faisons toujours lorsque nous partons pour des résidences, nous avions prévu de commencer un tout nouveau travail. Nous apportons généralement deux ou trois œuvres en cours avec nous, afin d'avoir encore quelque chose à travailler au début, mais dès que nous commençons à nous sentir suffisamment à l'aise dans l'espace, nous commençons un nouveau projet, spécifique à l'endroit où nous nous trouvons. Nous nous sommes donc retrouvées à marcher dans les rues colorées de San Francisco. Mais rapidement, nous sommes senties frustrées par notre processus habituel, photographier toutes les façades colorées et de les passer en noir et blanc ne rimait à rien., L'une des artistes de la résidence travaillait sur un patchwork de tissus avec de nombreux petits morceaux de tissu. Elle nous a indiqué le magasin où elle se fournissait et nous y sommes allées pour acheter une bonne quantité de tissu. Nous avons décidé de travailler avec le tissu plutôt qu'avec notre crayon et notre papier habituels. Dans ce sens, les résidences sont un grand espace d'expérimentation et de recherche.


PC: C'était la première fois que vous travailliez avec de la couleur du début à la fin ?


MT: Nous avions déjà essayé le crayon de couleur mais cela ne fonctionnait pas. Idem avec la peinture. Les stylos non plus. En fait, avec ces outils il est impossible de faire et défaire, ce qui est tout l'intérêt de notre pratique. Nous avons essayé la peinture à l'huile en 2017 lors d'une résidence qui nous a beaucoup plu. Mais nous sommes trop attachées au dialogue crayon / gomme pour y renoncer définitivement. Nous avons été vraiment surprises par l’étendue de la gamme de textures que les porte-mines apportent. que D’une manière complètement nouvelle, nous avons aussi retrouvé cette étendue de textures variées avec le tissus. Depuis, nous avons de nouveau utilisé du tissu pour un projet de devantures de magasins en Suisse. Nous avons eu carte blanche et avons décidé de travailler sur le dialogue entre image et texture. Nous avons construit des rideaux, en nous concentrant sur la capacité du tissu à traduire le mouvement. Cela a ouvert une mer de possibilités que le cadre moins flexible du dessin sur papier ne nous permettait pas d'explorer auparavant. Cette rigidité effrayante qu'est le crayon sur papier nous convient bien, mais le tissu nous permet de nous déplacer plus librement, au-delà de notre zone de confort.






PC: Comment cette nouvelle proposition a-t-elle survécu tout au long de vos cinq années à l'ENSAD ?


MT: Nous remettions notre série de dessins et les professeurs demandaient qui avait fait quoi sur chaque dessin. Nous répondions que cela nous était égal et que nous ne saurions pas qui avait fait quelle partie. Cela les rendait fous. Ils essayaient toujours de deviner, et ils devinaient toujours à tort. C'était notre quatrième année. La dernière année est l'année du diplôme. C’est censé être une année dédiée à un projet professionnel, reflétant les cinq années passées à se forger un style artistique à l’école. C’est une sorte d’identité pour l’avenir. Nous avons essayé de travailler sur des projets respectifs mais évidemment… (rires) Nous avons donc travaillé ensemble sur un projet commun et passé les examens finaux comme un seul.


PC: Il est fascinant de penser que les dessins que vous produisez sont nés de deux paires de mains différentes. Ils sont si méticuleux et l'esthétique de chaque œuvre est incroyablement cohérente. Pouvez-vous nous parler un peu de votre processus créatif global ?


MT: Cela commence par le dessin au trait. Ensuite, nous repassons chacune plusieurs fois sur le dessin. Nous laissons des parties du dessin inachevées pour que l'autre les termine. Rien n'est prévu. Notre processus est enraciné dans nos instincts combinés. Parfois, nous ne faisons que quelques allers-retours, et parfois dix si nous avons du mal. Tout est défini par nos deux gestes sur la texture, qui, in fine, donnent naissance à une nouvelle texture en soi. La collaboration se produit presque au-delà de notre moi individuel. Dans les moments où nous pensons que rien ne se passe, les idées flottent librement dans le fil des dialogues que nous avons et nous finissons par construire un nouveau projet que nous n'avions pas prévu. C'est un vrai plaisir pour nous, dans notre atelier, de laisser émerger de nouveaux dialogues


PC: Il y a un contraste tellement intéressant entre la précision de l'œuvre et le processus fortuit qui est assez poétique.


MT: La précision et le hasard vivent tout au long de notre travail. Des hasards heureux quand nous rencontrons quelque chose que nous aimons et que nous arrivons à capturer, mais aussi beaucoup de travail et de recherches méticuleuses. Par exemple, lorsque nous travaillions sur la construction de halls, nous en avons photographions énormément puis nous restreignons notre sélection a cinq ou six photographies finales à dessiner. Nous organisons le moment où nos photographies sont prises avec soin. Attendre que l'heure de pointe soit terminée, qu'une lumière séduisante prenne le dessus. Il y a évidemment plusieurs autres aspects sur lesquels nous pourrions tenter d’avoir plus de contrôle, mais cela ne nous intéresse pas vraiment. 


Zoé porte la chemise Albane le pantalon Gino et Pauline porte le cardigan Ronny

PC: Comment l'espace que où vous travaillez façonne votre identité ?


MT: Lorsque nous sommes sortis de l'ENSAD en 2010, nous avons immédiatement loué un studio. Nous travaillions à peine à la maison. C'est un luxe, on apprécie le fait qu'on puisse physiquement aller travailler tous les jours. Nous avons toujours remarqué qu'en dehors du travail que nous faisons en studio, nous ne dessinons pas. Pendant les vacances, nous n'avons pas de carnet de croquis que nous gardons ou quelque chose comme ça. Nous avons vraiment relié le dessin directement au travail. Nous espérions recréer une atmosphère du lundi au vendredi. Il y a des semaines pendant lesquelles nous passons huit heures par jour à dessiner, donc quand nous sortons de là, nous voulons faire autre chose.


PC: Votre approche semble varier selon les projets photographiques. Dans la série Fiction, on ressent plus de distance et de liberté que dans des séries plus anciennes comme Lieux Communs, où votre travail semble minutieusement documenté.


MT: Oui, la série Fiction est différente parce que c’est la première fois que l’on travaille sur des diptyques. Les deux images étant accolées, cela laisse plus de place pour faire émerger des histoires. Dans le processus de réalisation de cette série, nous avons essayé de classer chaque image par année ou par objet. Nous espérions explorer des matériaux que nous n’avions pas il y a dix ans. Il y a plus de liberté dans cette série, plus de jeux. Dans les séries précédentes, on affichait toutes les images sur un mur. Elles traitaient toutes du même sujet. Elles exploraient un sujet spécifique via des points de vue très diversifiés, comme dans la série Paresse par exemple. Dans la série Fiction, nous avons voulu, au contraire, traiter des images qui ne parlaient pas du même sujet ou qui ne semblait pas avoir de lien entre elles.

PC: Fiction sera-t-elle exposée différemment de votre série précédente ?


MT: Virginie Huet, auteur et critique d'art, a écrit quelques nouvelles s'écartant des différentes compositions. Ses récits sont assez cinématographiques. Nous les mettrons en ligne à côté des travaux. Nous avons également une exposition à la Villa Rose à Paris jusqu'au 31 juillet qui regroupe à la fois des dessins et des histoires.


PC: Votre nom n'est pas sexué. Il pourrait s'agir d'une seule personne, comme un personnage créé, loin des étiquettes sociétales concernant les noms. Pouvez-vous parler du processus de choix d'un nom pour le duo ?


MT: Nous voulions quelque chose de simple. Nous aimions le fait que les gens ne sachent pas si nous étions des hommes ou des femmes. De plus, c'est comme un nom de marque, nous avons aimé l'idée de nous cacher derrière quelque chose qui semblait être une structure plus grande. Nous avons pensé aux prénoms, mais c'était immédiatement prendre des connotations féminines qui nous pesaient. Avec les noms de famille, nous avons créé plus de distance.

Pauline porte le cardigan Ronny

Pauline porte le cardigan Ronny

Pauline porte la robe Marin, Zoé porte le cardigan Edgar et la jupe Angelina